Dmitri Shostakovich (1906–1975)
Sonata for Cello and Piano in D minor Op. 40 (1934)

I. Moderato – Largo
II. Moderato con moto
III. Largo
IV. Allegretto

Thorsten Encke (*1966)
Black Ice for Cello and Tape (2018–20)

I. Preparations (Steps on Frozen Ground)
II. Cracks (On Thin Ice)
III. Clouds (Ice Mirror)
IV. Afterthoughts (The Melting)

Intermission

Diana Syrse (*1984)
Fuego negro for Cello and Piano (2022)

Wild – Anxious – Slow – Fast – With pain, intense

Henriëtte Bosmans (1895–1952)
Sonata for Cello and Piano in A minor (1919)

I. Allegro maestoso
II. Un poco allegretto
III. Adagio
IV. Allegro molto e con fuoco – Vivo – Maestoso

Fire and Ice
Music for Cello and Piano

Harry Haskell


“Some say the world will end in fire, / Some say in ice.” Robert Frost penned the lines that open his famous poem in 1920, one year after the young Dutch composer-pianist Henriëtte Bosmans premiered her Sonata for Cello and Piano in Amsterdam. Europe was just beginning to recover from the trauma of the Great War and soon would be swept up in an even more devastating global conflagration. The two world wars and the ensuing nuclear age, with its ever-present specter of an end-of-the-world inferno, left a deep mark on the music of Bosmans and Dmitri Shostakovich. For Thorsten Encke and Diana Syrse, whose early years were framed by the Cold War and its aftermath, the growing prospect of environmental holocaust has been an equally pressing concern. Whether expressed or implied, the elemental contrast between fire and ice is embedded in all four works on tonight’s program. 

Harmony out of Discord 

Like Gustav Mahler, with whom he is often bracketed, Shostakovich was in the most literal sense a composer of extremes. Many of his works juxtapose jarringly disparate styles and elements. The Sonata for Cello and Piano in D minor, for example, contains some of the most tenderly sublime and the most rumbustiously high-spirited chamber music he ever wrote. It is in the reconciling of these opposing tendencies, in the harmony he forged out of the discordant raw materials of human life and emotion, that much of the power and beauty of Shostakovich’s work reside. Fundamentally tonal, but laced with dissonant harmonies and kinetic energy, his music epitomizes the turbulent, existentialist spirit of W. H. Auden’s Age of Anxiety.

Dating from 1934, the Op. 40 Sonata signaled Shostakovich’s return to purely instrumental composition after a protracted immersion in writing music for film and opera. (The initial version of his controversial opera Lady Macbeth of the Mtsensk District, shortly to be officially denounced and banned in the USSR, was staged in Leningrad that same year.) The score is dedicated to the composer’s friend Viktor Kubatsky, cellist of the Stradivarius Quartet and the Bolshoi Theater orchestra, who joined Shostakovich in the first performance on Christmas Day. Not until 1959 would another Russian cellist, Mstislav Rostropovich, inspire the composer to explore the instrument’s potential further in the first of a pair of exuberantly virtuosic cello concertos. The opening Allegro non troppo, a movement of majestic temporal and harmonic dimensions, exudes a graceful lyricism notable for its “classical” balance and restraint. Then, without warning, the music plunges into a demonic triple-time dance, characterized by foot-stomping accents, insistent ostinato passages, and ethereal glissandi in the cello’s upper register. This is followed by a long-breathed Largo of searing poignancy, muted in spirit as well as timbre. (The cellist is instructed to play con sordino, a special effect that Shostakovich exploits to the full.) In the final Allegretto, playfulness reasserts itself in the mincing, cat-like tread of the opening theme. But Shostakovich’s manic energy is never far below the surface, and the Sonata ends with a savage flourish that reaffirms the elusive D-minor tonality.

Musical Activism

A strong ecological ethos underlies the music of German composer-conductor Thorsten Encke, who argues that creative artists should reject “business as usual” and embrace environmental activism. Encke has made his Hannover-based Music Assoluta orchestra a leader in innovative nature-oriented programming, as represented by works like “It is noisy in the ocean...”, a multimedia piece unveiled last year at Hamburg’s Elbphilharmonie in conjunction with the UN’s Decade of Ocean Science for Sustainable Development. Black Ice was composed for Tanja Tetzlaff’s recent film Suites for a Suffering World, where Encke’s music for cello and tape is juxtaposed with Bach’s last three solo cello suites and images of the impacts of climate change throughout Europe, such as melting glaciers, desiccated landscapes, and flooded villages. Encke, who was also trained as a cellist, explains that the 18-minute-long work for cello and tape was originally inspired by a video about a Swedish ice skater and explored the acoustic phenomena associated with “black ice”:

“Black ice is the name given to a thin layer of ice that only appears black, but is actually transparent and completely smooth. The danger for the skater is obvious, as the ice layer supports them solely through surface tension. As they glide across the ice, cracks and a multitude of mystical sounds emerge, opening up a unique acoustic space. This sonic space was my primary concern when creating the music, rather than the depiction of naturalistic phenomena. A second cello part was recorded for the playback tape, which was then sonically processed and prepared for playback through several loudspeakers distributed throughout the concert hall. The resulting spatial acoustics unleash different impulses, creating closeness and distance, directness and obscurity. The listeners are surrounded by sound. The live cello enters into a dialogue with its invisible doppelgänger and must react spontaneously to events. Sometimes it is enveloped in sound and sometimes it emerges powerfully… That the interpretation of Bach’s suites is always like walking on thin ice for any cellist, both instrumentally and stylistically, was merely a tongue-in-cheek side effect.”

Like Encke, Mexican composer and singer Diana Syrse is known for her artistic engagement with social issues, especially those relating to gender, ethnicity, and sexuality. For instance, her chamber opera To Fall Safely explores gender stereotypes through the eyes of two young writers who are struggling to distance themselves from the hypermasculine world of Wagner’s Der Ring des Nibelungen. In Marea Roja (Red Tide), Syrse dramatizes the issue of violence against women by drawing on the real-life stories of three individuals, while the subject of Connected Identities, for soprano and orchestra, is her own search for an authentic personal voice. Syrse is currently working on an opera to a multilingual libretto by her compatriot Carlos José Pérez Sámano. Hôtel Moctezuma, commissioned by the Opéra Orchestre National Montpellier Occitanie, alludes to the Aztec emperor who is the subject of both an 18-century opera by Vivaldi and a 1974 novel by Cuban writer Alejo Carpentier. The collaborators explain that they “want to use Latin American Magic Realism poetics” as a “tool to open the conversation about decolonization, its relations with climate change, and female under-representation in historical narratives.”

Fuego negro (Black Fire) represents a more intimate, but no less vividly dramatic, aspect of Syrse’s art. “This work,” the composer writes, “is dedicated to those who have suffered from cancer and are faced with a challenge beyond their capacities. Between pain, hope, the abyss, and the black fire that burns inside, there is a very fine line. Black Fire is a piece about anxiety, aggressiveness, and pain that burns, but it is also about light, hope, and warmth that nourishes love despite its distance.” Commissioned for the 2023 Sommets Musicaux festival in Gstaad, Switzerland, Fuego Negro was performed six times over the course of a week by a group of rising cellists and pianists under the tutelage of cellist Steven Isserlis. Syrse’s score alternates between depictions of acute physical pain and playful, often dance-like passages. Interpretive markings like “wild,” “anxious,” “with hope,” and “as if suspended in the air” highlight the music’s emotional volatility.

French Connection

Henriëtte Bosmans was born into a musical household in Amsterdam: her father, who died when she was an infant, was principal cellist of the Concertgebouw Orchestra, her mother a distinguished piano teacher at the Amsterdam Conservatory. After making her debut as a solo pianist at age 20, Bosmans went on to perform regularly with the Concertgebouw and other leading European orchestras. Although her concert repertoire was traditional, ranging from the Viennese Classicists to the German and French Romantics, her own music evinced a more up-to-date sensibility. Composition studies with Willem Pijper, the dean of the postwar Dutch avant-garde, in the late 1920s prompted Bosmans to depart from the expansive Romanticism of her early works, many of which featured her father’s instrument. Yet despite her increasing openness to tonal and metrical complexity, she remained firmly rooted in the soil of late Romanticism and impressionism.

Like much of Bosmans’s music, the Cello Sonata in A minor has a distinctly French feel. She wrote it in 1919 for the Belgian virtuoso Marix Loevensohn, who occupied her father’s old chair at the Concertgebouw. In its blend of sensuousness and muscularity, Bosmans’s work has much in common with the pair of cello sonatas that Gabriel Fauré composed around the same time. The Allegro maestoso adduces two contrasting themes, one bold and angular, the other flowing and lyrical. The second movement, a springy allegretto in 3/4 meter, leads to a dream-like Adagio, whose soft pulsations and dissonances conjure a mood of almost glacial repose. The fast finale, marked “con fuoco” (with fire), closes the circle by recapping the first movement’s themes. In later years Bosmans’s music would become more compact, both structurally and thematically, while retaining the warm-blooded lyricism of her early style. But she never fully recovered from the trauma of World War II, when the Nazi authorities interned her aged Jewish mother at the Westerbork transit camp. Bosmans’s music was banned and she was prohibited from performing in public during the war. Ironically, one of her best-known works is a simple song titled Daar komen de Canadezen, celebrating the Canadian troops who took part in the liberation of the Netherlands in 1945.


A former performing arts editor for Yale University Press, Harry Haskell is a program annotator for Carnegie Hall in New York, the Brighton Festival in England, and other venues, and the author of several books, including The Early Music Revival: A History, winner of the 2014 Prix des Muses awarded by the Fondation Singer-Polignac.

Sonaten und Charakterstücke
Musik für Violoncello und Klavier

Michael Kube


„Die Literatur für Vlcell [Violoncello] ist so arm, daß jeder neuen Erscheinung in ihr des regsten Interesses der Vlcellisten schon von vornherein sicher ist. Auf keinem Gebiete der musikalischen Composition herrscht solche Dürftigkeit, auf keinem auch, das Allerweltclavier natürlich ausgenommen, solche Ueberfülle von virtuosen Nippsächelchen und Bravourkunststücken, womit die Solisten dieses Instruments ihre solistischen Vorzüge und Mängel auf die Nachwelt zu bringen bemüht sind. Der Hauptgrund dieser Erscheinung scheint mir einerseits an der verhältnißmäßig geringen Beliebtheit zu liegen, deren sich das Violoncell unter den Dilettanten erfreut, andererseits an der bei den Componisten herrschenden geringen Kenntniß seines eigentlichen Charakters und seiner Technik. Viele schöne Vlcellstücke, musikalisch von höchstem Werthe, giebt es, welche ihrer Schwerspielbarkeit wegen von den Solisten fast consequent ignoriert werden und dadurch auch dem Publikum unbekannt blieben.“

Mit diesen griffigen Worten beschreibt im Jahre 1879 ein Rezensent der noch heute regelmäßig erscheinenden Neuen Zeitschrift für Musik die alles andere als unproblematische Situation, in der sich (nicht nur) die Musik für Violoncello und Klavier zu jener Zeit befand. Zu sehr hatte man im musikalischen Salon wie auch auf dem von Virtuosen besetzten Konzertpodium Gefallen an kleinen geschmeidigen Charakterstücken gefunden. In den Hintergrund mussten dabei all jene mehrsätzig konzipierten Werke treten, die mit einem anderen Anspruch entstanden waren, von Beethoven bis hin zu Johannes Brahms. Sie treten auch rein zahlenmäßig gegenüber den Sonaten für Violine und Klavier ebenso wie denen für Flöte und Klavier deutlich zurück – ein Umstand, der wohl auf die (vom anonymen Rezensenten angesprochene) geringere Verbreitung des Violoncellos als Liebhaberinstrument zurückzuführen ist. Zu einer Veränderung kam es erst zu Beginn des 20. Jahrhundert mit den Werken von Max Reger und Paul Hindemith, die dem Violoncello in Werken mit Klavier oder auch ohne Begleitung genauso wie der Viola einen Platz neben der Violine gaben. Seit dieser Zeit ist ein lebendiges, breites Repertoire entstanden – mit Sonaten und neuen Werken, die jeweils einen ganz eigenen Zugang verlangen.

Dmitri Schostakowitsch
Sonate für Violoncello und Klavier d-moll

Dmitri Schostakowitsch spielte selbst kein Streichinstrument, doch auch in seinem Schaffen nimmt das Violoncello einen prominenten Platz ein. Die beiden Konzerte von 1959 (op. 107) und 1966 (op. 126) entstanden für Mstislaw Rostropowitsch, die Sonate d-moll op. 40 aus dem Jahre 1934 für Vikor Kubazki, den ehemaligen Solocellisten des Bolschoi-Theaters. Mit ihm und diesem Werk war Schostakowitsch in Russland auf Tournee, als am 28. Januar 1936 in der Prawda ein für ihn höchst bedrohlicher Artikel mit dem Titel „Chaos statt Musik“ erschien. Er bezog sich auf die Oper Lady Macbeth von Mzensk, deren Aufführung Stalin zwei Tage zuvor besucht hatte – nicht auf die wenig dramatische, sondern in kammermusikalischer Konzentration eher melodisch angelegte Sonate. Mit ihren vier Sätzen folgt sie der traditionellen Form (mit einem Scherzo an zweiter Position) und lässt das Violoncello in allen Lagen glänzen. Das Rondo-Finale ironisiert das bekannte Thema aus dem langsamen Satz der Symphonie Nr. 94 von Joseph Haydn, allerdings hier ohne den „Paukenschlag“. Trotz mancher konservativ-retrospektiv anmutender Abschnitte, etwa im Kopfsatz, ist im Verlauf der Sonate Schostakowitschs vielfach gebrochener Tonfall nahezu omnipräsent – einige Motive und Gesten glaubt man auch in späteren Werke wiederzufinden.

Als Schostakowitsch im Frühjahr 1975, bereits von seiner Krebserkrankung und dem nahem Tod gezeichnet, gefragt wurde, welche Werke er zur nächsten Saisoneröffnung für einen Konzertabend auswählen würde, nannte er seine drei Sonaten für Streicher – die Cellosonate, diejenige für Violine op. 134 von 1968 und die noch zu schreibende Sonate für Viola op. 147, die auch seine letzte vollendete Komposition sein sollte.

Thorsten Encke
Black Ice für Violoncello und Tonband

Nicht jeder angehende Komponist wird als solcher geboren – oftmals führen erst musikalische Umwege hin zum eigenen Schaffen, zu einer Dringlichkeit des Ausdrucks. So auch bei Thorsten Encke, der zunächst Violoncello und Dirigieren studierte und anschließend als Solist, Kammer- und Orchestermusiker vielfältige Erfahrungen auf allen Feldern der klassischen Musik sammelte. Wie sehr diese Einsichten seine schöpferische Auseinandersetzung mit dem eigenen Instrument und weit darüber hinaus motivierten, zeigt der Erfolg seines Streichquartetts Nr. 1 von 2005, das noch im selben Jahr beim Kompositionswettbewerb des Festival Pablo Casals in Prades mit dem ersten Preis ausgezeichnet wurde. Seither ergingen zahlreiche Kompositionsaufträge von renommierten Solist:innen, Kammermusikensembles und Orchestern. Der zweite und dritte Teil von Black Ice (überschrieben mit „On Thin Ice“ und „Ice Mirror“) entstanden für Tanja Tetzlaff, die beiden rahmenden Abschnitte („Steps on Frozen Ground“ und „The Melting“) wurden zwei Jahre später hinzugefügt.

Encke schreibt zu seinem Werk: „Angeregt durch ein kurzes National Geographic-Video über einen schwedischen Eisläufer schuf ich zwei Stücke für Cello solo mit Zuspielband, die sich mit den akustischen Phänomenen des ‚Black Ice‘ auseinandersetzen. Black Ice nennt man eine dünne Eisschicht, die nur scheinbar schwarz, tatsächlich jedoch transparent und vollkommen glatt ist. Die Gefahr für den Schlittschuhläufer liegt auf der Hand, trägt die Eisschicht ihn doch ausschließlich durch die Oberflächenspannung. Beim Gleiten über das Eis entstehen Risse und eine Vielzahl mystischer Geräusche, die einen ganz eigenartigen akustischen Raum eröffnen. Um diesen Klang-Raum ging es mir beim Erschaffen der Musik in erster Linie – weniger um das Abbilden naturalistischer Phänomene. Für das Zuspielband wurde eine zusätzlich komponierte zweite Cellostimme aufgenommen, die klanglich bearbeitet und für das Abspielen mittels mehrerer, im Konzertsaal verteilter Lautsprecher präpariert wurde. Die dadurch entstehende Raumakustik setzt unterschiedliche Impulse frei, schafft Nähe und Ferne, Direktes und Hintergründiges. Die Zuhörer sind von Klang umgeben. Das Live-Cello tritt in den Dialog mit seinem unsichtbaren Doppelgänger, muss spontan auf Ereignisse reagieren, wird mitunter klanglich eingehüllt oder tritt machtvoll hervor.”

Diana Syrse
Fuego negro für Violoncello und Klavier

Die Klangwelt der Komponistin und Sängerin Diana Syrse ist von Jazz, Rock, Fusion, verschiedenen internationalen Traditionen und Avantgarde geprägt. Dabei arbeitet sie oft mit ungewöhnlichen Instrumenten, dramatischen Elementen und elektronischen Klängen. Ihr Fokus liegt vor allem auf Musik für neues Musiktheater, Oper, Bühnenperformances und interdisziplinäre Projekte. Im Sinne einer auktorialen Interpretation führt sie ihre Werke überwiegend selbst auf, häufig in Kooperation mit Ensembles, Chören und Orchestergruppen. Als Sängerin verfügt sie über Erfahrung im Belcanto, in erweiterten Gesangstechniken, Jazz und Improvisation – und verfolgt neue Ansätze bei der Komposition und Interpretation von Werken des zeitgenössischen Musiktheaters. Fuego negro (Schwarzes Feuer) für die vergleichsweise konventionelle Besetzung von Violoncello und Klavier wurde 2023 vom Festival Sommets Musicaux in Gstaad in Auftrag gegeben und im Centro Tedesco di Studi Veneziani in Venedig vollendet. Als großangelegtes Charakterstück umfasst es fünf Abschnitte, die mit „wild – anxious – slow – fast – with pain, intense“ überschrieben sind.

„Zwischen Schmerz, Hoffnung, dem Abgrund und dem schwarzen Feuer, das im Inneren brennt, liegt nur ein schmaler Grat“, erklärt Syrse. „Dieses Werk ist all jenen gewidmet, die an Krebs erkrankt sind und sich einer Herausforderung stellen müssen, die ihre Kräfte übersteigt. […] Fuego negro ist ein Stück über Angst, Aggressivität und brennenden Schmerz, aber auch über Licht, Hoffnung und Wärme, die die Liebe trotz der Entfernung nährt.“

Henriëtte Bosmans
Sonate für Violoncello und Klavier a-moll

Sie gehört zu jenen Komponistinnen, deren Werke erst seit wenigen Jahren wieder auf den Konzertprogrammen zu finden sind und zweifellos noch einige Überraschungen bereithalten. Dabei setzte sich die 1895 in Amsterdam als Tochter eines Cellisten und einer Pianistin geborene Henriëtte Bosmans mit bewundernswerter Selbständigkeit bewusst mit der großen Form und Werken mit Orchester auseinander. Im Alter von 20 Jahren debütierte sie als Pianistin; wenige Monate zuvor war bereits eine erste Komposition im Druck erschienen. Der Schwerpunkt ihres Schaffens lag zunächst auf Kammermusik, doch suchte sie bald nach neuen Möglichkeiten und Erfahrungen: Zwischen 1927 und 1930 nahm sie Unterricht bei dem niederländischen Komponisten Willem Pijper. Auf dem Musikfest der Internationen Gesellschaft für Neue Musik in Genf wurde 1929 ihr bekanntestes Werk, das Concertino für Klavier und Orchester aufgeführt. Ihr Werkverzeichnis umfasst außerdem u.a. zwei Cellokonzerte, Konzertstücke für Flöte bzw. Violine und Orchester und mehr als 40 Lieder, von denen etliche durch die Zusammenarbeit mit der Sopranistin Noëmie Perugia in den 1940er Jahren inspiriert wurden. Während des Zweiten Weltkriegs weigerte sich Bosmans, in die Kulturkammer einzutreten und wurde als Tochter einer jüdischen Mutter ab 1942 mit einem Aufführungsverbot belegt. Im Alter von 57 Jahren starb sie 1952 an Magenkrebs.

Die 1919 entstandene Sonate für Violoncello und Klavier erlebte ihre Uraufführung im Rahmen einer Reihe von Kammerkonzerten, die eine Ausstellung der Künstlergruppe De Onafhankelijken (Die Unabhängigen) im Amsterdamer Stedelijk Museum begleitete. Das Werk fand allgemeine Anerkennung, kritisiert wurden aber auch Anklänge an Brahms und Grieg. In seiner Mischung aus mächtiger spätromantischer Emphase und verhaltenen impressionistischen Elementen erscheint die Sonate heute weitaus eigenständiger und vielfältiger – und mag als Einladung verstanden werden, uns der Musik einer noch zu entdeckenden Komponistin zuzuwenden.


Prof. Dr. Michael Kube ist Mitglied der Editionsleitung der Neuen Schubert-Ausgabe sowie Herausgeber zahlreicher Urtext-Ausgaben und war von 2012 bis 2025 Mitarbeiter des auf klassische Musik spezialisierten Berliner Streaming-Dienstes Idagio. Seit 2015 konzipiert er die Schul- und Familienkonzerte der Dresdner Philharmonie. Er ist Juror beim Preis der deutschen Schallplattenkritik und lehrt Musikgeschichte an der Musikhochschule Stuttgart sowie Musikwissenschaft und Musikvermittlung an der Universität Würzburg.